Povestitori Ai Lamei: Precizia În Sabie

{h1}

Swordplay-ul în film și romane variază de la fantezie la precis - dar cum traduc autorii cu exactitate tehnici vechi de secole pentru un public modern?

Sebastien de Castell este directorul dezvoltării de programe strategice la Vancouver Film School și un fost coregraf de luptă și actor și tocmai a publicat primul său roman, "Lama Trădătorului"De Castell a contribuit cu acest articol la WordsSideKick.com's Expert Voices: Op-Ed & Insights.

Ființele umane au o relație complicată cu sabia. Pe de o parte, este un instrument de violență cu o istorie lungă scrisă în sânge. Cu toate acestea, are și capacitatea de a fascina frumusețea formelor sale variate și modul în care o lamă poate dansa în aer. A privi o sabie cu o îndemânare puternică înseamnă a vedea atât brutalitatea, cât și eleganța în natura umană. Am avut ocazia destul de rară de a coregrafa lupte cu sabia atât pentru teatru, cât și prin tipar, ca parte a romanului meu de fantezie, „Traitor’s lame” - Există o diferență în a lucra cu cele două medii diferite? Fiecare coregraf și fiecare scriitor are propriul proces pentru dezvoltarea unei scene de luptă, dar eu pornesc întotdeauna de la o premisă de bază.

1. Violența este plictisitoare

Există atât de multe lupte, înjunghieri, crime și forme asortate de tortură în mass-media în aceste zile, încât este ușor de confundat violența cu drama. Însă violența nu este mai inerent dramatică decât a comanda cafea. Nu mă credeți? Imaginează-ți doi artiști marțiali care se plimbă într-o cameră. Nici unul nu are nicio expresie pe fețele lor. Încep să lupte - lovind cu pumnul, lovind cu piciorul, sărind, să se învârtă - cu viteză și precizie. Se învârt unii pe alții timp de câteva minute și apoi un bărbat îl supune cu succes pe celălalt și îi rupe gâtul. Vă interesează dacă a fost personajul A care l-a ucis pe B sau B care l-a ucis pe A? Există ceva dramatic în rezultat?

Acum, în schimb, imaginați-vă o femeie în vârstă mergând într-o cafenea. Se împiedică alături de umblătorul său, abia reușind să-l facă de la ușă la tejghea. Ravagiile cancerului din oasele ei fac această simplă călătorie - una pe care a făcut-o de o mie de ori înainte - ultima înainte de a se muta în ospiciul care o va adăposti pentru paltry-ul rămas în viață. Micile momente ale acestei călătorii - salutarea tânărului din spatele ghișeului, alegând ce cafea să cumpere, deschizând poșeta, făcând ultima achiziție pe care o va face pentru ea însăși - sunt amintirile pe care le va lua cu ea. Nu este mult, dar tot ce a mai rămas. Dar bărbatul din spatele ei este enervat. Bătrâna durează prea mult și este bolnav că a intrat în această blestemată cafenea pe drumul de a lucra în fiecare zi, doar pentru a ajunge târziu la o întâlnire din cauza unui vechi codger care ține linia. El începe să o grăbească. Este tare și este furios și tot ce vrea să facă asta este să se îndepărteze, cu drumețul ei, departe de tejghea și din magazin. Simțind că urmează să plece, bărbatul începe să treacă pe lângă ea cu un perfuzativ „scuză-mă”. Dar bătrâna se întoarce. Tocmai în acel moment ea se întoarce către acest bărbat care o amenință cu nimic altceva decât cuvintele lui nemaipomenite și furioase și ea spune „nu”. Începe lupta.

Această emoție pe care începi să o simți este determinată de drama situației, iar anticiparea ta de a vedea ce urmează apare din a doua premisă.

2. Cele mai bune lupte sunt despre caracter, nu complot

Mecanismele violenței nu sunt cele care fac o luptă interesantă. Ceea ce este interesant pentru o scenă de luptă sunt miza personajului; felul în care personajul se luptă mai întâi cu propria lui frică și doar apoi cu oponentul și apoi ceea ce relevă demersul acelui personaj individual în lupta.

Faceți următoarele două filme: „The Princess Bride” și „The Duelists”. Ai avea probleme să găsești două filme al căror ton și stil sunt mai diferite. „The Princess Bride” este o fantezie plină de inimă ușoară, plină de minciună, coregrafată de incredibilul Bob Anderson (care a lucrat cu oameni ca Errol Flynn în acea zi.) „Duelistii” este o poveste napoleonică întunecată, grijulie, bazată pe nuvelă de Joseph Conrad. Luptele au fost coregrafate de William Hobbs, care a fost instruit de regizorul Ridley Scott pentru a se asigura că luptele arătau murdare și urâte și nimic asemănător cu schimbările din filmele anterioare. Dar, în ciuda diferențelor radicale în luptele acelor filme, în ambele cazuri, fiecare acțiune vă spune despre personajul din luptă. Modul în care cei doi adversari merg la ea este o reflectare a personalităților lor, a temerilor și a mediului lor.

Ne pasă de lupta lui Wesley cu Inigo în „The Princess Bride” pentru că putem simți că acești doi bărbați se admiră reciproc. Lupta lor este la fel de multă explorare a talentelor celuilalt, cât este un duel. De fapt, sentimentul nostru de pericol provine de la faptul că acești doi bărbați nu ar trebui să fie dușmani și, cu toate acestea, situația lor înseamnă că unul poate muri în mâinile celuilalt. Contrastați-o cu luptele dezordonate și stâlpite dintre Feraud și D'Hubert din „Duelistii”. Un singur om, arogant și poftă de a folosi violența ca mod de a se întoarce la cei pe care crede că îi privesc în jos. Cealaltă, disperată și nesigură de ce să facă - temându-se că această luptă se va sfârși fie în moarte, fie în dezonoare. Mișcările contează; armele contează; ci doar pentru că permit publicului să vadă în interior personajele și conflictul lor.

Sebastien de Castell tocmai a publicat primul său roman,

Sebastien de Castell tocmai a publicat primul său roman, „Lama trădătorului”.

Unul dintre motivele pentru care ador să scriu Falcio (personajul principal din „Traitor’s Blade”) este acela că vede fiecare luptă ca o problemă de rezolvat - încearcă să intelectualizeze bătălia și să găsească un mod ingenios de a supraviețui. Dar trecutul său vine uneori în prim plan și îl preia. În acele momente, toată abilitatea și intelectul său dispar, înlocuite de furie și neglijență și ne dăm seama că nu este omul despre care crede că este.

Odată ce un autor găsește esența poveștii - povestea condusă de personaj care trebuie spusă - mecanismele de transpunere a acesteia pe scenă, ecran și pagină toate funcționează foarte diferit unele de altele.

3. Cărțile vin cu un buget infinit

Angajarea și formarea actorilor și a profesioniștilor cascadorilor este o afacere scumpă, indiferent dacă faci un film sau înscenează o piesă. Pe de altă parte, cărțile vă permit să aveți atâtea personaje care se luptă, pe gratis! De asemenea, nu trebuie să vă faceți griji pentru siguranță - ucideți-vă personajele de câte ori doriți, apoi atingeți „desface” pe tastatură și toate revin la viață. Aceasta este, regretabil, că nu este o opțiune cu actorii din viața reală. Așadar, în filme și pe scenă, există o continuă apăsare și încetare între a pune întrebarea: „Ce acțiune ar transmite cel mai bine drama acestui moment în luptă?” versus, "Ce putem face în cadrul bugetului, asigurând în același timp siguranța actorilor?" Merită să subliniem că primul și cel mai important pas pe care trebuie să-l faci în protejarea actorilor este să te asiguri că coregraful sau regizorul de luptă este calificat și pregătit. Am coregrafizat o mulțime de lupte, dar nu aș sari doar într-un proiect acum, fără timp serios de pregătire, deoarece sunt în afara practicii, iar actorii merită să aibă pe cineva cu abilitățile, experiența și calificările potrivite pentru a avea grijă. dintre ei.

4. Fiecare mediu are un punct de vedere diferit

Una dintre cele mai pronunțate diferențe între cele trei medii de poveste este modul în care funcționează punctul de vedere. Teatrul are o singură cameră. Oriunde stai, acesta este camera. Ceea ce înseamnă cu adevărat pentru un coregraf este că lupta trebuie să arate cât mai bine dintr-o gamă incredibil de largă de unghiuri.

Acest lucru este foarte diferit de filme, unde camera poate veni în apropiere sau se poate îndepărta; acesta poate prelua punctul de vedere al eroului sau al răufăcătorului sau al oricărui număr de participanți. Ați crede că cărțile vor avea cea mai flexibilă cameră dintre toate - la urma urmei, puteți scrie din orice unghi vă place. Cu toate acestea, în practică, contrariul este adevărat. Schimbarea punctelor de vedere din cadrul unei scene dintr-o carte subcade tensiunea dramatică și diminuează implicarea cititorului. Prin urmare, emoția poate fi înțeleasă doar printr-un set de ochi - cei ai punctului de vedere al scenei.

5. Luptele pentru filme și scene pot fi mai puțin realiste decât cele din cărți

Acest lucru ar putea suna ciudat la început, dar este absolut adevărat. Imaginați-vă că eroina noastră sare în aer, face trei fluturi, aruncă patru săbii în patru direcții diferite și aterizează elegant pe picioarele ei, în timp ce fiecare lamă își atinge ținta dorită. Dacă arătați acțiunea pe ecran, ochii publicului le vor spune adevăratul ei, chiar dacă altfel ar crede că este absurd. În mod similar, vizionarea unei piese înseamnă să te implici într-o suspendare sporită a necredinței - la urma urmei, știm că actorii nu se ucid cu adevărat unul pe celălalt, dar o acceptăm pentru că asta face parte din a vedea o piesă. Cu toate acestea, într-o carte, ceri literalmente cititorului să creeze toată acțiunea în capul lor, bazându-se doar pe cuvintele pe care le pui pe pagină. Orice lucru care nu are sens va arăta ca o mizerie de ceață în mintea cititorului. Din acest motiv, trebuie să muncești mai mult pentru a crea un sentiment de realism în mișcările și acțiunile pe care le pui pe pagină decât ai face pe ecran.

6. În cărți, cititorul este coregraf, autorul este profesor

Experimentăm scene de lupte pasiv atunci când le privim pe ecran sau pe scenă, deoarece fiecare parte a acțiunii este plasată în fața noastră. Aceasta înseamnă că nu trebuie să explicați o mutare sau o serie de mișcări, deoarece publicul le poate vedea în timp real. Cu toate acestea, o carte nu se poate descrie fiecare mișcare, fiecare postură, fiecare detaliu. Un autor care încearcă să facă acest lucru va face invariabil ca experiența lecturii despre luptă să devină obositoare și lentă tocmai atunci când cititorul vrea să se simtă prins de fluxul acțiunii. Așa că scenele de luptă de pe pagină necesită o căutare constantă a economiei, pentru a găsi lucruri pe care le putem lăsa imaginației cititorului.

Autorul ne arată mici momente ale luptei - împingerea bruscă a unei lame ascuțite îndreptată spre burtica unui personaj sau scutul de lemn uzat, din lemn, care începe să se împingă sub barajul zdrobitor al loviturilor unui topor al călărețului. Aceste detalii ne oferă o bază suficientă în natura luptei, astfel încât, în propoziția următoare, să putem fi în interiorul emoțiilor acharacterului - simțindu-le frica sau anticiparea, imaginându-ne în același timp continuarea luptei, fără a solicita nimănui să ne spună exact ce se întâmplă. Aceasta este, pentru mine, magia unui luptă cu sabia într-un roman - când cititorul încetează să mai fie un simplu interpret și devine, de fapt, coregraful.

Sebastien de Castell este directorul dezvoltării de programe strategice la Vancouver Film School și un fost coregraf și actor de luptă, și tocmai a publicat primul său roman,

Sebastien de Castell este directorul dezvoltării de programe strategice la Vancouver Film School și un fost coregraf de luptă și actor și tocmai a publicat primul său roman, "Traitor's Blade".

7. Lasă povestea emoțională să domnească supremă

Adevarata bucurie a coregrafiei unei lupte cu sabia - fie pe scena, pagina sau ecran - este transformarea luptei într-un limbaj nou pentru public. Lăsați scena luptei să fie o formă de dialog în care acțiunile fiecărui personaj sunt la fel de distincte, personale și emoționate emoțional ca cuvintele pe care le folosesc. Uneori, acest lucru necesită luarea în considerare a formelor istorice exacte (rapiere și broadswords s-au mișcat foarte diferit una de cealaltă și aruncarea unuia către adversar nu a fost aproape niciodată o idee bună), iar alteori înseamnă a le ignora (dracu cu ea - aruncați cuvântul broads dacă funcționează! )

Cea mai mare parte a ceea ce știm despre „adevăratul” luptă cu sabia provine din reconstrucții - cărți și manuale care au fost interpretate în mod vag. Imaginează-ți dacă cineva de acum cinci sute de ani a găsit o carte despre instrucțiunea karate. Ei și-ar putea imagina că războinicii din timpul nostru au aplicat toate tehnicile descrise atunci când, de fapt, doar o mică parte din oameni în luptă ar folosi karatele, dintre acestea, doar unii ar folosi acea formă particulară de karate, iar cei puțini ar folosi unele tehnici tot timpul și majoritatea tehnicilor aproape deloc.

De exemplu, celebra carte a lui Domenico Angelo din secolul al XVIII-lea, „Școala de scrimă” prezintă o tehnică (uneori numită „Amăgirea lui Angelo”) în care un cercator cu cuvinte mici pariază o tâmpenie folosind mâna stângă în timp ce aduce propria lamă în jurul spatelui pentru a-l amenința adversar. Arată minunat pe scenă, dar care sunt șansele ca această manevră foarte complicată și vulnerabilă să fi fost folosită cu orice frecvență când viața cuiva a fost pe linie? Oricât de îndoielnică ar fi utilizarea istorică a tehnicii, nu există niciun motiv pentru care un personaj foarte priceput și mai îndrăzneț nu l-ar folosi - mai ales pe un adversar mai brutal care s-ar putea să nu se aștepte la o tactică atât de periculoasă.

Dacă sunteți un expert de actualitate - cercetător, lider de afaceri, autor sau inovator - și doriți să contribuiți la o piesă op, editați-ne aici.

Dacă sunteți un expert de actualitate - cercetător, lider de afaceri, autor sau inovator - și doriți să contribuiți la o piesă op, editați-ne aici.

Unele dintre înțelegerile noastre actuale despre tehnicile de duel istoric provin din considerente despre biomecanică și metalurgie. Unele mișcări sunt pur și simplu mai rapide decât altele și folosesc mai bine greutatea, echilibrul și claritatea particulară a unei anumite arme. Știm că un rapier este o armă mult mai rapidă în luptă decât un cuvânt lung. Pe de altă parte, este puțin probabil ca un rapier să facă multe daune împotriva armurii plăcii, în timp ce loviturile repetate de la un cuvânt lung au o șansă mult mai bună de a proteja armura și de a deteriora purtătorul.

Cu toate acestea, nici aici nu putem presupune că soldații din secolul al XIV-lea foloseau cu toții arme de aceeași calitate și nici că, de fapt, aplicau tehnici optime. Deci credibilitatea în scenele de luptă este mai mult o funcție de a lua în considerare personajul decât istoricitatea. Mai mult, dacă ați urmărit vreodată un meci de scrimă, atunci știți că un adevărat luptă cu sabia la viteză este aproape imposibil de urmărit pentru nimeni, decât pentru un expert. Prin urmare, munca unui coregraf atunci când creează o scenă de luptă nu este să dovedească cât de deștepți suntem, ci mai degrabă că putem aduce publicul sau cititorul în poveste prin vehiculul luptei. Doar când am făcut asta, trecem de la a fi coregrafi la adevărați povestitori ai lamei.

Urmăriți toate problemele și dezbaterile Expert Voices - și deveniți parte a discuției - pe Facebook, Twitter și Google +. Opiniile exprimate sunt cele ale autorului și nu reflectă neapărat opiniile editorului. Această versiune a articolului a fost publicată inițial pe WordsSideKick.com.






Descoperiri Științifice

Cercetare


Science News




Categorii Populare


RO.WordsSideKick.com
Toate Drepturile Rezervate!
Reproducerea Oricăror Materiale Permise Prostanovkoy Doar Link-Ul Activ La Site-Ul RO.WordsSideKick.com

© 2005–2019 RO.WordsSideKick.com